Афиша на май

Стало совсем тепло, а это значит, что нельзя упускать возможность сходить в театр, а после спектакля пройтись по вечерней Москве, ну или вообще провести в театре всю ночь. Ниже — список того, что и когда нужно смотреть.

Спектакли студии «Саундрама» — тут можно идти на все, это интересно, здорово и красиво, они сами создали жанр, в котором работают. К несчастью, у «Саундрамы» в конце апреля похитили звуковое оборудование, компьютеры и инструменты из студии, ущерб огромен, а потому нам просто необходимо их поддержать, купив билет на один из спектаклей по телефону (495) 600 69 92. Пожалуйста, уточняйте место проведения спектаклей!
16 мая — Гоголь.Вечера I в 19.00 (Центр имени Мейерхольда) + концерт студии!
17 мая — Гоголь.Вечера II в 19.00 (Центр имени Мейерхольда)
19 мая, 20 мая — О.С.- премьера! в 20.00 (Проект FABRIKA)
25 мая, 26 мая — Док.тор в 20.00
29 мая, 30 мая — Я, Пулеметчик в 20.00 (Проект FABRIKA)


Сцена из спектакля «Гоголь. Вечера. Часть I». Фото: soundrama.ru

17, 18 мая — безбашенная хип-хопера «Копы в огне» на новой площадке на заводе Арма, в зале всего на 300 мест, идти обязательно. Подробности у них на сайте, заказать билеты можно по ссылке.

Клип на одну из сцен спектакля «Копы в огне». Видео: copsonfire.ru

17 мая на фестивале «Твой шанс» в Театральном центре «На Страстном» смотрите спектакль «На бойком месте» Театрального института имени Бориса Щукина. Смотрите описание и заказывайте билет!

Еще в Учебном театре «щуки» в мае (билеты по телефону (499)241-64-61) можно в последний раз посмотреть:
12 мая, 25 мая — «В день свадьбы»
13 мая — «Чайка»
15 мая, 28 мая — «Танго»
26 мая — «Мышеловка»
30 мая — Вечер танцевальной миниатюры (must be, must see!)

Сцена из спектакля «Мышеловка». Фото: htvs.ru

В ночь с 28 на 29 мая в Театральном центре «На Страстном» — «Театральная бессонница».
23:00 Театральная бессонница открывает двери
00:00 «МОСКВА — ПЕТУШКИ» (режиссёр Алексей Логачёв) (must see!)
01:40 не просто антракт
02:30 «УРОК ФРАНЦУЗСКОГО» (режиссёр Олег Глушков)
04:15 квартирник от «Камней»

Международный театральный фестиваль им. А.П.Чехова
25 мая (19:00), 26 мая (19:00), 27 мая (14:00, 19:00) - Уильям Шекспир «БУРЯ», режиссер Деклан Доннеллан

 
Фото: chekhovfest.ru

Подписаться на этот блог: RSS | Трансляция в ЖЖ | Твиттер

Ссылки по теме:
Студия «Саундрама»
«Копы в огне» (офсайт, фейсбук, заказ билетов)
Театральный центр «На Страстном»
«Театральная бессонница» (вконтакте)
Театральный институт имени Бориса Щукина
Международный театральный фестиваль им. А.П.Чехова

Сад, в котором вырастут герои

«Бесконечный сад» в постановке Начо Дуато
20 июля 2010 года на сцене театра имени Моссовета
в рамках Театрального фестиваля имени А. П. Чехова

Чудесным летним вечером в Москве я стал зрителем прекрасного пластического спектакля. В «Бесконечном саде» было хорошо все от фонограммы до костюмов исполнителей, от хореографии до пластики танцоров. Премьера состоялась в Мадриде в феврале 2010-го, этот спектакль посвящен юбилею Чехова и как будто специально сделан для фестиваля. Технически это выражается в превосходном русскоязычном тексте, визуально простой, но очень многофункциональной подвесной декорации и четко делящем и граничащем пространства свете.

Фото: chekhovfest.ru

Не стоит обманываться названием — о «Вишневом саде» там напоминает лишь немногое, при этом действие наполнено бесконечными смыслами. Главной целью является осмыслить жизнь самого Чехова. Сценическое воплощение автора — артист в белом свободном костюме (по рисунку напоминало березу), который в промежутках между фантазиями, основанными на произведениях, выползает (в прямом смысле) на сцену. Он задумчив, он находится среди своих еще не персонализировавшихся окончательно образов. Возможно, это лучшее изображение творческого пути, когда нужно долго ползать, чтобы потом воспарить.

Сами сцены более иллюзорны, метафоричны, в них не следует искать конкретную литературную основу. Скорее, это некоторые базисные эмоции, основополагающие жизненные образы, владеющие разумом Чехова, которые позже перерастут в известные нам характеры. Три девушки олицетворяют несбыточные надежды и тоску. Влюбленная пара в черном (по современной традиции размноженная на четыре пары, по очереди сменяющие друг друга в каждой своей сцене) есть любовь безответная, которая пытается стать иной, но в силу жизненных обстоятельств (это гениально показано пластически, а клонирование делает зрительское восприятие еще более объемным) становится чеховской комедией-трагедией, то есть судьбой Нины и Кости (и, возможно, Лопахина и Любови Андреевны).

Ритм и рисунок задается не только блестяще подобранной музыкой (ура, в программке приведен полный список!) — оригинальной, а также Шнитке и Чайковского —, но и текстом из записных книжек Чехова на русском языке. Логика кристальна — образ очерчивается текстом равно как и тело движется в ритме музыки и текстовки. Тембр голоса Льва Николаева, читающего текст в записи, звучит устало, но неизбежно — творчество есть ремесло, которое последовательно и медленно приведет к жизненной правде. Простые скромные костюмы делают чеховские прообразы еще более чистыми без намека на будущие образы героев и последующее их осмысление критиками и школьными учебниками. Свет кажется простым, но в какой-то момент из казалось бы случайного переплетения тел артистов рисует на планшете крылья чайки словно внезапное озарение, догадку о будущем воплощении. Универсальная декорация изображает то небо, то горы, потом спускается на землю и становится кабинетом или зарослями сада.

В финале спектакля Чехов уходит вглубь сада, и сад укрывает его от нас, мы видим автора сквозь его творение. Замечательный спектакль, который стоит смотреть и обсуждать. Прекрасный пример работы с текстом, синтеза текста и пластики со светом и звуком.

Ссылки по теме:
Спектакль на сайте Чеховского фестиваля

P. S. А эта фотография будет служить напоминанием организаторам фестиваля, что не нужно устанавливать цену билетов в партер на уровне шести тысяч рублей.

Перед спектаклем

В понедельник ходил смотреть «Творение» (или все же «Шерри-Бренди»?) на сцене Мастерской Петра Фоменко в рамках Чеховского театрального фестиваля. Спектакль мне понравился скорее пластикой актеров, нежели общей композицией и странным режиссерским рисунком. Из всего материала, заявленного в качестве литературной основы, читал только «Остров Сахалин», и в спектакле вполне отчетливо увидел эти сцены. Еще после спектакля засветился с парой слов в сюжете ночного выпуска новостей на канале «Культура» (2:40):

Зато перед спектаклем поучаствовал в маленьком этнографическом исследовании на входе в театр. Так вышло, что у нашей группы образовался один лишний билет. Цена его была 1500 рублей, и я решил поэкспериментировать с продажей.

Возле входа столпилась группа желавших попасть на спектакль без приглашения и бесплатно. Я вышел и предложил свой билет, назвав номинальную его цену.
— Никто у вас его не купит!
— Отдайте его нам бесплатно!

Не желая терять деньги, с поправкой на пять минут до спектакля делаю тридцатипроцентную скидку и громко говорю, что последним моим предложением будет этот билет за 1000 рублей.
— Ха, вон идите к перекупщикам, вон они на улице стоят, продавайте им!
— Если бы за 500, то мы бы еще подумали!

После этого я встал рядом и стал терпеливо ждать. Толпа сделала вид, что не замечает меня, но на самом деле втайне ждала, что я сдамся и отдам им мой билет бесплатно. Во время этого ожидания у меня состоялся замечательный диалог — аккурат после того, как кто-то, входя в театр, отдал один билет бесплатно.

— Вот видите, а некоторые отдают свой билет бесплатно!
— Это значит, что им эти 1500 рублей дались проще, чем мне.
— А если у вас этот билет никто не купит?
— Тогда я заберу его с собой, и он не достанется никому из вас.

Ровно через две минуты один молодой человек подошел ко мне и купил билет за 1000 рублей. Молодец! Я сказал ему «Спасибо!».

Из этой истории нужно сделать вывод: в зрительской среде, равно как и в любой другой, есть люди, которые считают, что имеют право на то, чего они не заработали. Потребность в их сознании превалирует над способностью. Я знаю цену театральным билетам, хожу в театры по приглашениям (которые, кстати, продавать третьим лицам могут только полные уроды), но на этот спектакль меня не приглашали, я не был частью творческой команды, поэтому мой билет был объектом купли-продажи, и я не хотел терять свои деньги. Следуя заветам Хэнка Риардена, я поступил единственно верно.

Кстати, для поиска горящих билетов, и в том числе на спектакли, есть хороший сайт. Это если вы за пару дней понимаете, что у вас есть лишние билеты.

P. S. Дочитываю третий том Atlas Shrugged. Выдающаяся книга.

Ссылки по теме:
«Шерри-Бренди» на сайте Чеховского фестиваля

"В Москву! В Москву!"

Театр Фольксбюне (Берлин) на сцене театра имени Моссовета
в рамках Международного театрального фестиваля имени А. П. Чехова
27 мая 2010 года

Давно не выбирался в театр (ха-ха!), а тут сразу попал на Чеховский фестиваль, да еще на спектакль, о котором за сутки до просмотра начитался всякого в френдленте. В приступе паники хотел даже отговорить маму идти вместе со мной, но все же взял себя в руки, и вечером устроили себе просмотр этого действа.

Честно говоря, я так и не ощутил справедливости в режиссерской концепции (Франк Касторф), по которой «Три сестры» являют собой прошлое и будущее, а рассказ «Мужики» — реальное и суровое настоящее. Если угодно, натурализма было в «Трех сестрах» даже больше, чем в отрывках из «Мужиков». Довольно странный получился коктейль, хотя если рассматривать ингридиенты по отдельности — каждый из них был хорош. Первое действие вообще очень вдохновило (хотя и шло два с половиной часа — многие не выдерживали этого). Второе действие показалось более скомканым, оно рушилось о режиссерскую претензию, перекашивалось в сторону европейской новой драмы, а под конец вообще представляло собой мистическую резню-фарс с вознесшейся на трон Наташей и окончательно одуревшими сестрами.

Актеры, меж тем, показали очень хорошую, на мой взгляд, манеру игры. Соглашусь со своими друзьями — Милан Пешель, игравший Вершинина, был очень хорош. Равно как и Соленый (Мекс Шлюпфер) и Тузенбах (Ларс Рудольф), все время повторяющий на чистейшем немецком, что он «русский, немецкого в нем мало». Кулыгин (Сир Генри) все время говорит на подчеркнуто правильном английском, в этом проявляются его эмоциональная ограниченность, да и вообще сценическая отстраненность от жены. Что касается центральных женских характеров, то они запомнились скорее своим сумасшествием. Например,Ольга, уставшая после работы, экстравагантно поет в оперной манере. Гротесковая составляющая, местами явно неуместная, в целом не портит линий поведения персонажей.

Все это приправлено уже привычными техническими приемами вроде съемки актеров крупным планом с выводом на большой сценический экран, пения под живой рояль. В некоторых местах вроде философствования Вершинина получаются трогательные сцены из кино, но как это связать с остальным ужасом, который все сгущается и сгущается — непонятно. Поэтому все пять часов спектакля я увлеченно следил за работой актеров и периодически ностальгировал по «Трем сестрам», а особенно по капустнику, который мы устроили после практически подряд за четыре года показанных «Чайки», «Вишневого сада» и самих «Трех сестер». Над Бобиком и Софочкой мы шутили примерно так же, как и персонажи сегодняшнего спектакля.

Пара слов о зале. Видимо, восхищенные громкие речи Вершинина кому-то резали слух, некоторое количество зрителей ушло после первых тридцати минут. Многие не поняли вставки из «Мужиков». Самая большая миграция из театра произошла в антракте — в результате второе действие досматривали с тремя четвертями в партере и группой людей в амфитеатре. В финале оставшиеся зрители аплодировали актерам стоя в знак благодарности за проделанную работу. Оно того стоило. А вот технических накладок можно было избежать — ладно, что картинка с камеры иногда не появлялась на экране вовремя, но вот человек, листающий субтитры с переводом, явно погряз в собственной безответственности перед зрителем. Если текст «Трех сестер» еще можно было вспомнить по аналогии, то в не столь известных мне «Мужиках» я окончательно запутался.

Ссылки по теме:
Страница спектакля на официальном сайте фестиваля
Подписаться на этот блог: RSS | Трансляция в ЖЖ

Асинхронный перевод

Глобальной проблемой журналистов, блоггеров, а также всех остальных людей, которые выдают реакцию на информационный повод, является катастрофическое нежелание проверять факты. Будь то спектакль, фильм или книга — пишущий какую-то пятидесятую рецензию человек упорно обращается не к своим воспоминаниям, ощущениям, в конце концов, к пиратским записям, а к идиотски составленной программке, аннотации, или того хуже — к чьей-то уже написанной статье. И вроде бы, единство места и времени соблюдено, человек пришел по нужному адресу, попал именно на тот спектакль или сеанс. А вот единства действия не получается. Получается куча заумных и никому не нужных слов и искажение фактов.

Кричащий пример — запоздавшая статья о «Липсинке» в «Русском журнале», ссылка на которую была опубликована в сообществе «Новая драма». Не буду комментировать художественные достоинства сего опуса, а приведу только одну выдержку:

Этот ребёнок, Джереми, за три секунды театрального времени становится подростком и дерзит приёмной матери словами «я сын дьявола», ещё через секунду делается взрослым и поёт песню «Трансмиссия» культовой «Joy Division», после чего уносится на самолёте же на поиски настоящей матери, вместо того чтобы стать послушным воспитанником и оперным певцом.

Пустая, а, главное, лживая фраза. Песня Transmission столь культовой по мнению автора группы Joy Division звучит вовсе не в первой, а в девятой части спектакля, в сцене изнасилования Лупе Тони Бриггсом. А в первой части Джереми улетает, чтобы стать кинорежиссером, к поискам матери он придет чуть позднее.

И еще одна пометка на полях, уже самому себе: новую драму (если относить к ней «Липсинк» в том числе) противопоказано пересказывать в рецензиях, а также навешивать на нее чересчур сложные метафоры и эпитеты. Очень важно не увлечься сладостным словоблудием и сохранить в своих словах саму конструкцию спектакля без собственных домыслов.

Впрочем, с «Липсинком» все гораздо сложнее — восторг от увиденного перекрывает логику и сводит на нет все лишенные опыта попытки проанализировать спектакль в целом. Каждая всплывающая частность интересна сама по себе и отвлекает внимание от общей картины.

Ссылки:
Идентификация «Липсинка»
Читайте по губам

Идентификация "Липсинка"

Благодаря пофигизму людей, отвечавших на Чеховском фестивале за подготовку программок к "Липсинку", публика не могла связать имена актеров с персонажами. Прекрасное начинание aleksandrit_85 по идентификации этих чудесных людей сподвигло меня на написание этого поста. Сам "Липсинк", несмотря на два просмотра с интервалом в неделю, еще предстоит расшифровывать как по конкретным деталям, так и по собственным ощущениям. Первая порция впечатлений о спектакле недельной давности уже готова, а о вчерашнем просмотре постараюсь написать чуть позже. Я очень прошу вас в комментариях к этой записи исправлять ошибки, а также дополнять написанное - с удовольствием внесу нужные изменения.

Актеры и Роли

Фредерик Бедар (Frédérike Bédard) - Мари, певица и пациентка Томаса
Карлос Белда (Carlos Belda) - Себастьян, звукорежиссер
Ребекка Бланкеншип (Rebecca Blankenship) - Ада Вебер, оперная певица
Лиз Кастонги (Lise Castonguay) - Мишель, сестра Мари
Джон Кобб (John Cobb) - старушка-логопед, инспектор Джексон
Нурия Гарсиа (Nuria Garcia) - Лупе, мать Джереми
Сара Кемп (Sarah Kemp) - Сара, проститутка и сестра Тони
Рик Миллер (Rick Miller) - Джереми; Тони Бриггс
Ханс Писберген (Hans Piesbergen) - Томас, нейрохирург; Петер Свобода, актер; дон Хуан Гутиерес, отец Себастьяна

Саундтрек

Ария, которую исполняет Ада Вебер на концерте во Франкфурте; ее же она исполняет в дуэте с сыном (часть 1, "Ада").
Symphony No. 3, Op. 36, also known as the Symphony of Sorrowful Songs - Henryk Gorecki

Песня, которой подпевает Сара, идущая в раздумьях по Лондону (часть 5, "Сара").
The Look Of Love - Burt Bacharach, Hal David
Performed by Dusty Springfield

The look of love is in your eyes
A look your heart can't disguise
The look of love is saying so much more than just words could ever say
And what my heart has heard, well it takes my breath away
I can hardly wait to hold you, feel my arms around you
How long I have waited
Waited just to love you, now that I have found you
You've got the
Look of love, it's on your face
A look that time can't erase
Be mine tonight, let this be just the start of so many nights like this
Let's take a lover's vow and then seal it with a kiss
I can hardly wait to hold you, feel my arms around you
How long I have waited
Waited just to love you, now that I have found you
Don't ever go
Don't ever go
I love you so

Музыка, играющая в сцене встречи Тони Бриггса и Лупе в борделе (часть 9, "Лупе").
Transmission - Joy Division

Radio, live transmission
Radio, live transmission
Listen to the silence, let it ring on
Eyes, dark grey lenses frightened of the sun
We would have a fine time living in the night
Left to blind destruction, waiting for our sight

And we would go on as
though nothing was wrong
And hide from these days, we remained all alone
Staying in the same place, just staying out the time
Touching from a distance, further all the time

Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio
Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio
Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio
Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio

Well I could call out when the going gets tough
The things that we've learnt are no longer enough
No Ianguage, just sound, that's all we need know
To synchronise love to the beat of the show
And we could dance...

Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio
Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio
Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio
Dance, dance, dance, dance, dance, to the radio.

Ссылки:
Интересный пост о спектакле.
Интервью Лепажа на BBC.

Читайте по губам

«Липсинк» Робера Лепажа (Lipsynch)
27 июля 2009 года на сцене театра «Мастерская Петра Фоменко» в рамках Чеховского театрального фестиваля

Этот без преувеличения эпический спектакль рассказывает о судьбах девяти разных людей и их переплетении. Через смешение языков, смешение культур и способов выражения до зрителя доносится главный смысл — в этом забытом богом мире одни выживают благодаря самопожертвованию других. История про обретение сыном матери проходит сквозь все девять частей спектакля, начинающегося и заканчивающегося античным плачем матери по сыну. Но плачет мать приемная, а сын плачет по матери настоящей, давно погибшей, но узнанной им.

Действие спектакля разворачивается на двух континентах в Австрии, Великобритании, Испании, Германии, Канаде и Никарагуа. Герои говорят на английском, немецком, французском и испанском, но русские субтитры (не без опечаток, но виртуозные по исполнению — проецировались прямо отдельные элементы декораций) в основном были не нужны, потому что происходящее на сцене было понятным и жизненным (но жизненным, «как в кино»). Сюжет каждой отдельной части довольно прост, а все вместе, если попытаться пересказать, вообще тянет на мыльную оперу или средней руки детектив. Но простота как раз и является залогом успешного и полного восприятия спектакля — наверно, поэтому постоянно приходит в голову сравнение с добротным голливудским фильмом.

Самым важным в спектакле является звук, через него передается больше всего информации. Тут и сцены дубляжа кино, и бесконечные объявления автоответчиков, автоинформаторов. В сцене, где героиня Сара тренируется с компьютерной программой по восстановлению речи, блестяще и объемно показывает полифонию человеческого голоса. Словно шутя, актеры периодически составляют хоры и исполняют красивые многоголосья, и невозможно умолчать об захватывающей дух симфонии № 3 Хенрика Гурецкого в исполнении героини спектакля Ады Вербер, оперной певицы (ее блистательно играет Ребекка Бланкеншип).

Актеры в спектакле — настоящие универсалы, им по силам и вокал, и пластика, и исполнение нескольких ролей. Спектакль сложен хотя бы даже обилием сцен, деталей, элементов декорации, он как будто охватывает мир, и с этой же задачей приходится справляться девятерым исполнителям ролей. К сожалению, в российской фестивальной версии программки они лишь перечислены во вкладыше, без фотографий или указания ролей в спектакле, что очень удручает. Театральная Москва должна знать героев финала театрального сезона 2008-2009 года: Фредерик Бедар, Карлос Белда, Ребекка Бланкеншип, Лайс Кастонгуе, Джон Кобб, Нурия Гарсиа, Сара Кемп, Рик Миллер, Ханс Писберген.

Спектакль можно разбирать бесконечно долго, на его основе можно писать учебники по сценографии, актерской игре, техническому оснащению сцены. На сцене создается кинореалистичность. Если это самолет — то тут будут иллюминаторы, кресла, пассажиры, тележка с напитками. Если герои едут в лондонской подземке — то будут реальные названия станций и пассажиры за окном, а также настоящий поездной автоинформатор. Декорации трансформируются в совершенно немыслимые интерьеры практически мгновенно. Целую часть спектакля сцена изображает киностудию, и мы видим перед собой вполне реальный процесс съемки кино. Кажется, что в спектакле использованы все современные сценические технологии, внутренности Новой сцены Мастерской Петра Фоменко были буквально вывернуты наизнанку: потолок ощерился всеми возможными видами софитов, планшет сцены держит на себе бесчисленное количество передвижных составляющих.

Работа со звуком ведется на самом современном техническом уровне. Все актеры работают со специальными микрофонами, снимающими звук голоса прямо из человеческого уха. Звуковые пульты находятся прямо на сцене и периодически играют роль пультов сведения в сюжетных студиях звукозаписи. Видеоинсталляции делаются, что называется, «в прямом эфире», то есть здесь и сейчас (конструирование визуально обманчивых столов, стульев и фортепиано в баре в Сохо, сцена изнасилования Гваделупе). Команда спектакля (а на поклонах видно, что обслуживающего сценического персонала в два раза больше, чем актеров) работает настолько слаженно, что достигается эффект чуда, по крайней мере московским зрителям с таким качеством сценического действия приходится сталкиваться удручающе редко.

Прекрасное завершение театрального сезона. Спасибо Чеховскому фестивалю, виват, Лепаж, виват команде «Липсинка»!

P. S. Последние представления Lip Sync в Москве пройдут 1 и 2 августа - спешите за билетами!

Ссылки:
Детальное описание спектакля: часть 1, часть 2
Спектакль Lipsynch на сайте Чеховского фестиваля
Симфония №3 Хенрика Гурецки на YouTube
Короткая видеопрезентация спектакля на YouTube

Хау ту флай

16 июля 2009 года
"Икар" в постановке Даниэле Финци Паски (Театро Сунил, Лугано, Швейцария)
на сцене театра им. А. С. Пушкина в рамках Международного театрального чеховского фестиваля

Действие начинается с трогательного пролога на ломаном английском (потому что он несколько больше понятен российской публике, нежели французский и итальянский), где Даниэле сообщает публике на пару с переводчиком, что этот спектакль был им сочинен во время каникул, проведенных в тюрьме за отказ служить в вооруженных силах Швейцарии. Во время вынужденного заточения ему было грустно, и он стал рассказывать сокамерниками разные истории, из которых впоследствии родился "Икар". Возможно, именно поэтому для спектакля необходимо выбрать одного, может быть, самого главного зрителя, который будет играть на сцене, исполняя роль того самого собеседника, сокамерника, с которым герою Даниэле нужно поделиться своей мечтой.

О чем можно мечтать в тюрьме (или в клинике - сценической интерпретации тюрьмы)? Конечно, о свободе. О том, как можно вырваться из тесной клетки и улететь. Но как летать? Во-первых, нужен соратник, лететь нужно в компании, а иначе будет скучно. Во-вторых, нужен ритм, нужна музыка для тренировок, которую Даниэле виртуозно исполняет на пружинах армейской кровати. В-третьих, если нет окон, то нужно взять в заложницы доктора или медсестру. Все очень просто.

Но у нового соседа по камере (в тот вечер - русской девушки Маши) парализованы обе ноги, поэтому для него полетом может стать обычный шаг вперед, и Даниэле сперва учит его летать, а потом - просто ходить, и тут неожиданно распахивается окно на волю, которое было все это время спрятано в шкафу. Это один из самых трогательных и сильных моментов спектакля, построенного на легкой клоунаде и простодушном разговорном жанре.

Первое представление в Москве прошло очень тепло и душевно, девушка Маша весьма трогательно вжилась в образ, а сам Даниэле Финци Паска настолько эмоционально играл свою роль, что даже пропустил целую сцену с нарисованным солнцем, которое так и осталось висеть свернутым холстом над сценой. Но это, в общем-то, не так уж важно. Ощущение полета во сне и наяву, полета к свободе передалось публике сквозь простые, не очень верные грамматически фразы на английском языке и историю про друга Августо, который тоже хотел убежать, но внутри него завелись паучки, он заболел и не смог улететь из заточения.

Не могу не провести совершенно очевидные параллели с ранним творчеством Гришковца, со спектаклем "Как я съел собаку", который также был дебютным. Та же проблема несвободы (опять-таки, по причине армии), вот только герой Гришковца, оказываясь на Русском острове, не может думать о полете, он становится реалистом, переставая быть ребенком, и очень символично давит красивых бабочек, которые имеют возможность с этого острова улететь. А герой Даниэле остается мечтателем, ребенком - в этом смысл клоунады, в то время как Гришковец уходит в смесь примитивного разговорного жанра и пантомимы, пытаясь этими средствами объяснить, почему ушел во взрослый мир и уже не может вернуться. Сценические приемы двух авторов схожи, в то время как спектакли - различны и в финале приводят зрителя к совершенно разным выводам.

Ссылки:
Спектакль "Икар" на сайте Чеховского фестиваля
Репортаж канала "Культура" о спектакле "Икар"

Tangentes

"Тангенс"
на сцене Центра им. Вс. Мейерхольда в рамках Международного театрального чеховского фестиваля
2 июля 2009 года

Спектакль (а точнее, философское пластико-цирковое представление) длился всего один час пятнадцать минут. За это время четыре актера-акробата и многофункциональная декорация пытались показать зрителям нечто универсальное и концептуальное.

А теперь по порядку.

Признаться, я очень впечатлен их пластикой (хотя пластикой я пресыщен, и видел совершенно идентичные вещи много раз) и тем, как они вписывали движения в конкретные идеи и образы. Именно вписывали, а не создавали с их помощью. Дело здесь не в артистах, и даже не в постановщике (который играет сам), а в отсутствии какой бы то ни было концепции или объединяющей идеи. Есть несколько сцен, где посредством пластики и хитрой машинерии рисуются вполне понятные и знакомые картины человеческого существования.

Атмосферу создают музыка и декорация, представляющая собой сборку из батута, горки, ступенек, акробатического шеста, двух движущихся дорожек и колеса для белки, увеличенного до соответствия с ростом человека. Все это работает потрясающе. Признаюсь, мне всегда очень нравится работа сценической машинерии, особенно звук электромоторов во время смены декораций между сценами, есть в этом что-то завораживающее.

Декорация работает, выкладываются по полной программе актеры, но не складывается это все в единое целое. Сцены несвободы, жизненного выбора, взросления и пути к вершине, безразличия, роста из обезьяны в человека, верчения в жизненном колесе - казалось бы, звучат в одном ключе, но не связаны между собой. А могли бы.

Ссылки:
Спектакль Tangentes на сайте Чеховского фестиваля